ニエプスが設計図を引き、ダゲールが組み立てて、遠近法の確立をするために出来たカメラ・オブスキュラを化学作用で定着させる光を描く機械（カメラの語源はここからきています）が、1839年8月19日、つまり、今日から177年前の今日に天文学者で代議士でも合ったアルゴーによって、フランス学士院で開催された科学アカデミーと芸術アカデミーの合同会議の席上で写真術（Photograph）を詳細に発表されました。

この日を記念して、世界的な写真の日となっています。

ちなみに、日本の写真の日は6月1日ですが、これは日本写真協会が定めた「写真の日」で、上野彦馬が1841年6月1日、日本で初めて写真を撮影した日と言うことで、日本写真協会が制定したそうです。

この発表を聞いて、パリの歴史画家ポール・ドラローシェは「これで明日から絵画は死んだ」といったそうです。それほど写真は絵画の世界に衝撃を与えたのです。

そして、現在デジタルカメラとPhotoshopという画像処理ソフトが出現した時に「フィルムは死んだ」と言ったカメラマンがいたそうです。

現在、自由に画像処理できる簡単便利なソフトが生まれてきて、紙媒体からインターネットを通じて誰でも簡単に写真を発表する機会が増えています。

今まで写真家が作品を発表する方法といえば、写真集や個展などでしたが、現在ではインターネットを通じて、個展や写真集の販売数を軽く上回るだけの人に写真を見てもらえる時代がきました。

これを良しとするか否かは結論付けられませんが、粗製濫造も多く、写真の質の低下を危惧する声は多くなっています。

今一度、考えるべきことは、写真は何のためにあるのか、誰のためにあるのかです。

記録することが写真の目的ではありましたが、現在ではそれだけでなく、コンテンポラリーアートとしての「写真」が認知されてきています。

その結果として、アンドレアス・グルスキーやピーター・リクのように3億円・7億を超える価格でオークションで取引される写真もあるのです。

これらは、作品としての価値が認められているという証ですね。

他にも、多くの写真家（アーティスト）が億単位の取引がされています。

これらは、フィルムやデジタルによらず世界的な評価を得ています。

絵画においても、ドラローシェの心配をよそにもちろん高額な評価を得ている作品は沢山あります。

これらが生き残る、というよりより高く評価されてるのは何故でしょうか。

それは、作品にエネルギーが感じられるからです。

抽象的で良くわからない絵画であっても、写真であってもそこにエネルギーを感じるから人は評価をしているので、単純に造形的な美しさだけではありません。

つまり、このエネルギーを感じる作品というのは作者の思い（氣と言ってもいいでしょう）が作品を目の前にすると感じるものなのです。

これらを感じさせる作品とは、単純なソフトでは感じることは出来ません。

作者のエネルギーはそのプロセスを通じて発せられるものなので、既存のソフトや簡単便利機能で撮った作品には感じることが出来ないのです。

簡単便利な写真の世界から、本当の写真とは何か、この機会に考えてみることが大切ですね。

なにかで聞いたことがあります。

全ての答えは自分の中にある。

写真とは何か、本日は内省検討するいい機会です。

写真を趣味とする人なら誰でも考えるのは、簡単便利でうまくいく方法は無いのか？

だと思います。

そんな方法があるなら、是非知ってみたい。

そういう方も多いと思いますが…

実は、あるんです。

でも、教えてくれる人は殆どいません。

何故でしょうか？

教えるにも、そのことに気づいていない人が多いからです。

写真の講師（皆さんの声を多く聞ける立場なので）をしていて、気付きました。

飛躍的に作品が上達する人と、ある程度上達してから完全に進歩が止まってしまう人。

コンテストに数多く入賞しているにもかかわらず、常に悩んでいる人。

実は、写真コンテスト応募が写真のライフスタイルになっている人の全てと言っていいでしょう。

なぜなら、大きな賞を取ると次回はそれ以下では納得できません。

ましてや、後輩が自分よりも上位の賞を受賞したら、自分の価値が下がったと感じてしまう。そう感じないとしても、焦りや苛々が募ります。

趣味なのに、なんでそんなに苦しむ必要があるのでしょうか。

一方、好きでやっているのだから上手くならなくても良いんだ。楽しめればいいので、コンテストにも応募しないし、サークルや教室に参加しても進歩向上を目指すこと無く、シャッターを切っているだけという人も少なからずいます。

もちろん、趣味ですから自由ではありますけど…

本当に、それでいいと思いますか？

それで趣味といえるのでしょうか？

皆さんは、三昧（ざんまい）という言葉をご存知でしょうか。

知っているかというのは、字面の意味を知っているのかということではなく、実践をしているか、身体に染みいるほどに意味を体感しているかということです。

三昧とは一心不乱にその事をすること。

一心不乱とは、一つの事に集中して、他の事のために心の乱れることがないこと。

一方、道楽とは、本人の品位を損ね、自堕落になったり、他人に迷惑をかけたり、家庭環境を破綻させたりするおそれのあるものも含まれる。という言葉もあります。

ということで、趣味の中にはこの２種類があります。

写真を趣味とするならば、やはり写真道楽ではなく、写真三昧のほうが良いですね。

私の知人が、このような名言をいいました。

仕事を極めようとすると趣味のようになり、趣味を極めようとすると仕事のようになる。

この言葉を聞いた時に、至言だと感じました。

前置きが長くなりましたが、写真を趣味として三昧の境地、もしくは、その境地目指している方がこのブログの読者だと思いますので、秘訣を公開します。

それは、構成学を学ぶことです。

写真の構成、構図とは何か、造形デザインを意識して学ぶことです。

現在の写真は、バウハウスデザインの流れをくむ写真家が多く輩出しています。

アンドレアス・グルスキー、石元泰博、杉本博司（敬称略）など、多くの写真家がバウハウスの影響を受けています。

写真を構成する要素やデザインとは何かを知らずして、写真の効果的な構図を捉えることができるでしょうか。

単純に、三分割法や、S字構図、黄金分割程度の知識で、構図の意味がわかるでしょうか。

目の前の状況から、一瞬の判断をして撮影をしなければチャンスを逃してしまう写真なのに、じっくり観察して分割を意識するだけでいいのでしょうか、そもそも構図のバランスが良くても被写体としてイマイチなものをねらって、三分割構図にしたら作品としての価値があると思いますか。

今一度、構図とは構成とは何かを、構成学から学んでみましょう。

そのためには、名作と言われる写真を見ることです。

一流の作品を見ることが大切です。

そして、構成に関する知識と見識をもつ指導者のもとで学ぶことが大切ですね。

情報は、その多さに価値があるのではなく、意味のある情報のみを得てこそ情報の価値がでます。ネットは多くの情報を得ることはできますが、まさに玉石混淆です。

正しい価値を見極めるには、そのための知識が必要になります。

丁度、カメラの説明書を読んでも、そもそもカメラのことをよく知らない人が読んでも意味不明なのと同じですね。

今回、3つの動画をブログにアップします。

回折現象・撮影モード・プロが絞り優先を使う理由です。

全て、絞りが絡んだ内容です。

写真は「絞り」がキーワードのひとつですね。これは、本当に実感します。撮影会などで聞かれる質問の第一位は、「絞りはいくつで撮ればいいのですか？」です。

そして、よく勉強している人は「回折現象が気になるから、絞り込むことはしません」という意見です。

勉強不足の質問と勉強過多の質問の代表例です。（ちょっと厳しい意見でスミマセン）

写真は知識や技術はとても大切です。

そして、知識や技術が表現に大きく作用するARTでもあります。

しかし、です。

本末転倒になってしまっては意味がありません。

知識は実践によって高められるものであって、それを証明して始めて本当の知識になります。他でも書いていますが、私は学生時代モノクロ現像をありとあらゆる現像液を使って現像しました。そして得た結論は、処方箋による調液と特定のフィルムの組わせで最高の結果を得られるとわかったのです。これは、実験を重ねた結果の成果です。

その後の写真に関しては、この考え方がベースになっています。知識を鵜呑みにせず、実験を繰り返してこそ得られる真理こそ、本当の知識です。

Web講座では、このようにして得た知識や技術を惜しみなく提供しています。

何故なら、知識や技術は鮮度が大切だからです。今得た知識や技術は、今伝えてこそいみがあり、調味期限切れの知識を得ても何の意味もないからです。

よって、講座の内容は変化し続けます。普遍なものもありますが、変わり続けるものもあります。

その中でも、絞りは普遍と行っていい知識だと思います。

この動画はセットでご覧になることで深い理解が得られます。

是非、繰り返しご覧ください。

写真は今後どうなるのか？

ある雑誌の中で写真家やキュレーターなど写真に関わりのある人々がテクノロジーが写真にもたらしたものを特集していました。現在、そして未来はどう変わっていくのか。

さまざまな識者の意見をまとめると、写真は2つの局面を持っているということに行き着くようです。

まずは、インデックスとしての写真です。索引、見出しというような意味です。

つまり、フェイスブックやその他メディアでみる写真は記録や記憶の断片のようで短時間で消滅していくものです。たとえネット上に残っていたりしても、それは時間の経過によって価値がなく、単なる断片化した記録に過ぎなくなってしまうものです。

よって、鮮度が重要なのです。

もう一つは、ARTとしての写真。ARTで写真を捉えるとするなら、記録であっても、そこにはオリジナリティがあり、確たる写真が存在するのです。

その写真とは、プリントということです。

つまり、プリントなくして写真（ART）ではないということです。

プリントの大きさや質感はネット上で再現できないもので、モニタ画面の色は全てが違うと入っても過言ではありませんし、解像度もモニタと写真では極端に質感が違うということです。たとえば、マット紙（無光沢）でプリントした作品をネットで見ると光沢で透過光源で見えてしまいます。

大きさもそうです。作品が1ｍを超える作品であっても、ネットで見ればモニタサイズ以上に拡大はされません。

よって、実物（オリジナル）を見なければ、作品の価値は分からないということになります。

写真を趣味と考えている皆さんは是非プリントで作品表現してください。

プリントすることによって、写真は生命が宿ると言っても過言ではありません。どんなにモニタ上で美しくともプリントして美しくなければ、写真としての価値は生まれてきません。

作品の息吹をシェア（共有）するにはプリントが必要です。

テクノロジーに変化があっても、仕上がった作品が写真である以上、フィルムであってもデジタルであっても写真であることに変わりはありません。

プリントこそが写真。

そこにはデジタルもフィルムもなく、ただ写真という事実が存在しているのです。

写真は焦点距離（レンズのｍｍ数）によって決まる。

これは、写真上級者なら納得できる事実です。

写真を趣味としている人は、レンズの構成を標準域を含む標準ズーム（24-80mm）と、望遠ズーム（80-200ｍｍ）などを中心に揃えています。

もちろん、更に広角、望遠のズームレンズを揃えている人も沢山いますが、基本的には全ての画角を用意することが多いですね。

風景写真においては、その作品の性格上レンズのラインナップは重要ですが、撮影に際しては、撮影者の撮影しやすいポジションから撮影されることが多く、撮影意図よりも、撮りやすさが最大のポイントになっています。

今回のサンプルは同じ被写体を、レンズの焦点距離を変えて撮影をしています。

左の作品は、苔と緑の葉を中心に緑色の構成で、パースを強調せずに構成して静かな佇まいとしての渓流を表現しています。

右の作品は、左作品の左1/3程度の位置にある苔むした岩（左端の大きな曲がった枝で位置関係がわかると思います）にかなり近寄り、渓流の中に三脚を設置して手前から奥へ遠近感を強調して撮影をしています。

全く同じ被写体で、同じような比率で構成された作品ですが、印象が全く違っているのが分かると思います。

写真は、今回のケースのようにレンズの焦点距離で全く異なったイメージになります。

よって、安易にズームレンズを使って画角を決めるのではなく、撮影イメージを思い描いてから、レンズの焦点距離と撮影距離を決めて撮影する癖をつけましょう。

そのためにはレンズの画角を把握する必要があります。撮影地に着いたら、写真のイメージを明確に作り上げ、そのイメージに沿ったレンズのmm数を決める。

これは普段から意識しないと身につきません。カメラを持っていなくとも、イメージした画角と実際のレンズのmm数がどの程度であるかシュミレーションしてみましょう。これをドライシューティングといい、アンセル・アダムスも推奨しています。

これにより、レンズの把握やイメージの想定ができてくるようになり、写真の仕上げも上達します。

殆どの人は、写真撮影と仕上げ作業は別物だと思っていますが、上級者になればなるほど、仕上げのイメージから撮影をするようになります。

デジタルであれば、レタッチを含めた表現。フィルムであれば、ラボでの現像仕上げを想定して、露出やフィルターを決定する必要があります。

この意味がわかった時、レベルアップへの扉が開いたといっていいでしょう。

※今回のサンプル写真は共に、ISO100、ＰＬフィルターを使用しています。

デジタルカメラと画像編集ソフト（LightroomやPhotoshopがその代表格です）は写真の世界を一変させたといってもいいですね。

カメラのデジタル化とPhotoshopの出現は、写真業界の革命的な出来事です。それは歓迎と批判を伴って、現在まで成長してきました。まさにデジタル革命と言っても過言ではないでしょう。

こう書いてくるとデジタル礼賛とも受け取れる内容ですが、デジタルは決して特別なものであると私は思っていません。

写真は、デジタルであるか否かが問題なのでなく、仕上がった作品によって評価がされるのです。

最近、ドイツのアンドレアス・グルスキーの作品で、ライン川を撮った作品がオークションで3億4千万円という高額な価格で落札されました。

この作品はデジタルです。そして、それより以前ですが、日本の写真家である杉本博司の海景という作品も1億円以上で取引されています。杉本氏は、銀塩フィルムと8×10のカメラで撮影をしており、デジタル処理は一切行っていません。

このように、写真は内容が良ければデジタル・銀塩を問わず高価な価格で取引されているということです。

最近では写真はコンテンポラリーアートのひとつのジャンルとして定着しています。

もちろん、これらの作品の質感や描写力は抜群で、迫力と美しいプリントが魅力であることに疑いはありません。

ところで、話はぐっと身近なことになりますが、最近のコンテストの審査をして感じるのは、粗雑な仕上げが増えているということです。

コントラストがやたらに高い、彩度が高すぎてトーンジャンプしている。シャドー領域を覆い焼きしていない等、とても鑑賞に耐えない作品が目立ちます。

つまり、自己満足の領域を出ていない仕上げになっているのです。

写真は、メディアがアナログからデジタル主流になろうとも、人間は生身から機械に変わるわけではありません。

人が持つ五感、そして、第六感に至るまで昔とほとんど違いがありません。

人が美しいと感じる感性は、生まれながらに持っているそうで、これは学習により感じるものではないそうです。

しかし、どうしたら美しく表現するかは、学習が必要になります。

写真の仕上げが、暗室（Darkroom）から明室（Lightroom）に変わろうとも

表現（仕上げ）することに変わりはありません。

たとえば、ネガに感光された濃度によって階調が再現されるのと同じように、ヒストグラムは光の感光濃度を表しています。

モノクロに使用するフィルターで赤やオレンジ・黄色などのフィルターで撮影をすれば、フィルターと同じ色は明るくなり、補色は暗くなります。

ホワイトバランスは、色補正（CC）フィルターと色温度変換(LB)フィルターと同じです。等など…

これら、フィルムで必要だった知識は、デジタルでも健在です。

というよりも、写真を理解するうえで大変重要な知識であり、スキルになります。

私自身は、フィルム時代に培った知識やスキルをデジタル処理に置き換えて画像処理をしています。ですから、単純にソフトの解説書とは違う処理方法も沢山あり、それを教室やWeb講座で公開しております。

確かに、最近のソフトは長足の進歩を遂げました。しかし、先程も書きましたが、鑑賞するのは機械ではなく人間です。

ソフトやデジタル上では正しくとも、人の目は、細部や全体を見通すことが出来る眼（審美眼）を持っています。

その意味でもクラシック（伝統）を無視して、写真は成立しないと思っています。

sample写真は、全てクリックすることで拡大できます。

注）拡大すると霧にモアレが出ていますが、これはWebサイズに縮小しているために発生しているもので、実際の画像には出ていません。

写真はまずイメージ（完成画像）があり、その完成画像を逆算して撮影に至る。

私は常々このように言っています。

この時に、よく質問されます。

どうしたら完成のイメージを想像できるのですか。

全くイメージが湧きません。

との質問です。

この答えの前に、写真の前提条件について知っておく必要があります。

それは、写真と現実は違っていて、同じ階調・色調では写らないということです。

次に、写真は強調と省略によって表現する媒体であるということです。

よって、見た目通りにプリントしようとすることが、その条件から外れているということです。

その前に、見た目とは何かですが、実は見た目ではなく、感じていたことが見た目であると判断している場合が多いのです。

たとえば、上のサンプル写真ですが、霧が移動してる瞬間をタイミングを変えて撮影しています。

殆どの人は霧の写真だから最も霧が深い時がいいであろうと判断します。

そうなるとsample3ということになりますね。

ところが、この原版はあまり霧の質感を表現するには適していません。

何故ならコントラストが低すぎるからです。

では、ハッキリとしているsample1はどうでしょうか。

これでは、前景の木立がはっきりしすぎて、霧の中という感じが十分に表現できません。

ということで、sample２が最も霧を表現するという意図にあっているタイミングであると判断できます。

このように、単純に霧の撮影であれば、霧がかっていればいいというのではなく、どのタイミングで撮影するか。ということにも意識をおきましょう。

この意識が習慣化すれば、仕上げのポイントが見えてきます。

霧の感じを十分に表現しながら、手前の木立も霞まずにシャープに表現できるタイミングで写真を撮影し、仕上げで強調をしていくのです。

つまり、霞んだ感じは、より霞んだ感じに、ハッキリしている部分は、明瞭に表現していく、全体の画面上重要ではない奥の木立の幹より、中央のダケカンバの白さとコントラストを強調しながら質感を出していく。これにより中央のダケカンバが主役であると表現されます。

つまり、主役にスポットライトをあて、脇役はその主役を引き立てるようにするわけです。この意識があれば写真の仕上げが格段に進歩します。

もちろん、それを可能にするスキルを身につける必要がありますが、まずは主役と脇役を認識する。この意識をもって、構図とタイミングに磨きをかけましょう。

今回はホワイトバランスについてです。

皆さんは、ホワイトバランスの設定を気にしたことはありますか。

デジタルカメラになって、フィルムカメラとは違いホワイトバランスの設定があるので、よくわからない方はオートにしている人が多く、そのために思ったような色が出ないというケースが多々有ります。

最近ではRAWデータで仕上げる方が多く、仕上げの段階でホワイトバランスが変えることができるので、JPGで撮影（JPGは仕上げの際にWB変更は出来ません）するときほど気にすることは無くなりましたが、そういっても撮影時にモニタで表示された色が印象に残りますので、やはりホワイトバランスは設定したほうがいいでしょう。

では、どのように設定したらいいのでしょうか。

おすすめの設定はデーライト（昼光）です。

これは、フィルムに近い色再現がされるので、フィルムと同じイメージで撮影出来るからです。

そして、デーライトよりも赤み（正確に言うとアンバー色）を加えたいなら「曇天」。更に赤みを加えたいなら「日陰」を選びます。このことから紅葉の撮影では、昼光であってもWBを「日陰」に設定する方もいます。

逆に青み（正確に言うとシアン）を加えたいなら「タングステン・白熱灯」を選びます。

夜景などでは「蛍光灯」モードが画面の緑かぶりを抑えて綺麗に撮影できます。

これらの説明でもうお分かりになったと思いますが、ホワイトバランスとは色変換・色補正フィルターを使用しているのと同じです。

特にフィルムからデジタルカメラに移行された方は、W2・W4・C12・FLWフィルター（Kenkoの表記）を使用する代わりに曇天・日陰・白熱灯・蛍光灯にWBの設定をするのだと思えば理解しやすくなります。

逆に言うと、ホワイトバランスをオートにすると、思いもかけないほど色補正がされてしまいイメージとは違った色になったり、夕焼けの撮影で、色が補正されて赤みが弱くなってしまうこともあります。

よって、基本設定はデーライト、場合によってホワイトバランス設定を変更するようにしましょう。この意味がよく理解できれば、RAWデータで撮影をして、仕上げの際にホワイトバランスを変更する方法でも全く問題ありません。しかし、あくまでモニタでの色再現が作品のイメージなるので、設定はオートWBではなく任意の設定をして撮影することをお勧めします。

尚、撮影タイミング的に設定の変更が間に合わないなら、そのままでも結構です。（RAWデータのみ）

フィルムカメラは、メーカーが発売しているフィルムに色調・コントラスト・階調などを依存していましたが、現在のようにデジタル全盛になってくると、メーカーの色調やコントラスト・階調までも自分でコントロールできる時代になりました。

肉眼で見える世界は、見る人の思い込みで階調やコントラストを変えてみています。俗にいう記憶色もそうです。

ほとんどの方は、実際に見た色調を思い出すのではなく、必ず実際の色調よりも彩度が高くなった映像を思い起こします。当然コントラストもそうです。

ほとんどの場合、写真として表現する際に、メリハリが無いと画像がボンヤリと見えるのでコントラストを高く表現したくなります。

その上、フィルムのキャリアの長い方はリバーサルのようなコントラストが写真として適切なコントラストだと感じていますから、コントラストは高めな表現になります。このことが①のような仕上げになる原因です。では、見た目あまり変わらない②はどうでしょうか？

どこが違うか分かりましたか？

はっきりさせたいという意識から、コントラストを高くして、シャープをかけて必要以上に輪郭を強調してしまう例がよくありますが、過度なシャープはブルーム（輪郭に白い筋が見える現象）が目立ち、階調が欠落して美しい写真とは言えません。

かと言って、ボケたようなコントラストない仕上げではインパクトが不足してねむい（業界用語で、コントラストの弱い締りのない画像を「ねむい」といいます）だけの写真になってしまいます。

先に述べたように、写真を美しく仕上げるためには、見た目の印象をいかに効果的に表現するかです。

ですから、撮影したデータから、全体にコントラストを強調するだけでなく、階調を出すべきところは階調をだして、彩度を上げたり、下げたりして色調もコントロールして自分自身のイメージを完成させます。

そういう意味で、デジタルは本当の「写真表現力」が試されると入っても過言ではありません。

では、どうするのか？

それは、表現するべき技術を学び、適正な判断力をもつ上級者に評価してもらうことです。

コントラストを強調する方法がわかっても、それをどの程度にするか、階調とねむいと言われる差はどこが違うのか。思い込みで仕上げをしていないか。様々な要素は、写真を見る目と、それを解決する方法・技術をもっている指導者にのみ指導可能だからです。

写真を評価することができても、PhotoshopやLightroomなどのツールの使い方を知らず、解決策を見いだせない写真家や、ツールの使い方はよく知っているが、写真そのものをよく知らないパソコンインストラクターに聞いても写真表現は上達しません。

※②の作品は下部の緑の階調を出しています。

ソフトの力に頼った表現はなぜ個性的ではないのか？

たとえば、HDR処理です。全ての階調が出ていて、まるで絵画のような表現をした作品は、今までの写真の概念から言うと十分個性的です。

↓　↓　↓

http://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%83%8F%E3%82%A4%E3%83%80%E3%82%A4%E3%83%8A%E3%83%9F%E3%83%83%E3%82%AF%E3%83%AC%E3%83%B3%E3%82%B8%E5%90%88%E6%88%90

もっと身近な例で言うとフィルターです。クロスフィルターを使って光の粒を十字にフレアーさせてキラキラと表現した作品です。

↓　↓　↓

http://www.kenko-tokina.co.jp/imaging/filter/cross/4961607352205.html

これらの作品は、サンプル写真としては効果的なのですが、個性的かといえば誰が撮影しても同じように仕上がるため、個性的とは言えない可能性があります。

では、ソフトやフィルターによる表現は、写真としての価値がないのか、といえばそうではありません。

要は、依存しなければいいのです。

一つの表現に他の表現を加えて、新しい表現にすればいいのです。

創造とは、異質なものの組み合わせによって創造となります。

たとえば、HDR処理をして、そこにモノクロ処理した画像をブレンドして

奥行きをだす。コントラストの強い画像とコントラストの弱い画像をブレンドして、表現したい領域を広げると同時に省略をする。

このような、全く違う画像をブレンドすることによって、単一では成し得ない奥行きの深い画像を表現することが可能です。

もう一つ重要になるのは、撮影した画像です。風景写真なのかスナップ写真なのか、イメージ写真なのか、撮影した画像によって処理する内容も変わってきます。作品の内容によって、階調重視・強コントラストで階調を極端に抑えるなど様々な表現方法を学び、試してみて、表現の幅を広げることは、これからの写真表現を考えるうえで、とても大切なことだと感じています。

近頃、流行りのHDR処理。

写真として違和感がある方もいるかもしれません。

写真は記録だから、後で処理するのではなく、そのままがいいのだ。という意見もあります。確かに写真にはその一面があります。

しかし、ARTとして写真を考えるなら、もっと自由に写真を捉えてもいいと思います。

写真は、最も流動的なARTかも知れません。

ダゲレオタイプが写真の主流だった時に、フォックス・タルボットがネガからプリントする写真を発表して批判を浴びました。何枚も作品を制作できるものはARTではないということです。モノクロ写真全盛の時に、カラー写真も同様の批判を浴びました。そして、フィルムからデジタルへと変わろうとしている現在。同じような批判を繰り返しています。

つまり、写真とは固定化した芸術ではなく、常に流動的なものなのです。

そして、その価値を決めるのは鑑賞者と写真家（写真を撮っている人すべて）によってです。

ここが重要なのですが、新しいものが良く、古いものが悪いというものではありませんし、市場規模が大きいから正解で、マイノリティ（少数派）はダメというものでもありません。

ARTとは常に自由であり、表現の自由があってこそARTであるからです。

ところで、HDR処理ですが、この表現は作品のタイプによります。何でもかんでもHDRにして彩度の強調や階調が出ていればいいのではないので、作品として表現する際に、十分な判断が必要とされますし、そのクオリティも問題です。単純にソフトで簡単にできた。というのではディティールに問題がある場合があります。その中でも、偽色が最も注意すべき点です。画像の輪郭部分に全く違った色収差のような偽色が出ていることがよくあります。ソフトというのは、単純にツールを使って全てが上手くいくわけではありませんので、細心の注意を払って仕上げることをお勧めします。

たとえば、コンテストなどでは、審査員は、この部分をまず間違いなく見逃しません。というよりも直感的にわかるといっても過言ではありません。

審査員は、通常プロの写真家です。プロはアマチュアと違って感覚的に写真の本質を見抜く力をもっています。ブレた作品なども一瞬で判断できます。これは、ピントが合っている作品とテイストが違うからです。最近のデジタル作品で多いセンサーゴミも見逃しませんので、作品の仕上げには、十分なチェックをして応募なり、展示会の発表をするようにしてください。

一番よい方法は、写真の指導者やプロにみてもらうことですね。

少し話がズレているように感じるかもしれませんが、HDR処理は、その表現方法の良し悪しよりも、仕上げに良否によって判断されていると考えて間違いありません。

このヒストグラムは霧の中にある木立を撮影したヒストグラムです。

左（図1）右（図2）どちらのヒストグラムが正解でしょうか。

答えは右（図2）のヒストグラムですが、

では左（図1）のヒストグラムはどうでしょうか。

一般的にヒストグラムは

富士山のように裾野が広がるイメージが

適正露出というイメージが定着しています。

しかし、適正露出という観点から見ると

そうではありません。

つまり、

適正露出はその絵柄によって

ヒストグラムの形が違いますし

白っぽい画像の場合は

右のようなヒストグラム。

黒っぽい画像の場合は

左のようなヒストグラムになります。

ちなみにヒストグラムは

縦方向にピクセルの数（下：少ない/上：多い）

横方向にピクセルの明るさ（左：黒/右：白）

を表したグラフです。

よって、右端や左端にこのグラフが

ついてしまうと階調のない画像

ということになります。

なので、撮影するときは出来る限り

左右の端につかない露出で撮影する必要があります。

時にはハーフNDやストロボを使って

その差を埋めるといいです。

言ってみれば

このヒストグラムは

作品制作に必要な情報を

表しているといっても過言ではありません。

もちろん

写真はデータが全てではありませんから

このヒストグラムとカメラの液晶画面を

同時にご覧になり、

理論と感覚を同時に把握して

適正露出を導き出すようにしてください。

具体的には、Lightroomのような

画像処理ソフトを使うことで

その意味合いがわかってくると思います。

尚、解説本ではツールの使い方は

説明されていますが

写真を仕上げるプロセスは

記載されていません。

講座や添削などを受けて

方法論を学ぶことは

仕上げのスキルアップに

欠かすことは出来ませんね。

最後に上のヒストグラムの画像は

この下にあります。

参考にしてください。

※こちらの画像はオリジナルデータで完成画像ではありません。

紅葉をはじめ葉を撮る時にどこに注意していますか？
色にだけ注意をして撮影していると、美しく表現できません。
葉の表現に必要なポイントをおさえて撮影すると写真が劇的に変化します。

先日のまぐまぐメルマガでも述べました被写界深度について、問い合わせを何件かもらいましたので、もう少し詳しく説明します。

被写界深度は同じ画角のレンズを使った場合、フォーマットが小さいほうが被写界深度が深く、フォーマットが大きいほど被写界深度は浅くなると述べました。と言うことは被写界深度はフォーマットサイズが小さいほうが被写界深度は有利ということになります。（フォーマットサイズ＝センサーサイズ）

単純に考えたら、大きいカメラを使うよりも小さいカメラのほうがピントはいいのではないかと思いますね。

確かに被写界深度＝ピントと考えればそうかもしれませんが、写真のピントは被写界深度の深さだけでシャープ感を感じるわけではありません。

 一般に、ピントがいいという言葉は被写界深度を表しているのではなく、解像度・コントラスト・トーン・ピント位置などが全てバランスよく揃ってピントがいいと感じるわけです。

同じカメラで、画角・絞り・ピント位置が同じでも、廉価版のレンズと高級レンズではピントは違って感じます。高級レンズは、ピントの結像がキリッとシャープなだけでなく、コントラストも十分あり、階調も豊かです。

写真を大きく伸ばした場合、センサーサイズがAPS-Cサイズとフルサイズ（35mmサイズ）であれば同じ被写界深度であれば、フルサイズのほうがピントがよく感じます。（解像度・トーン）

他にも被写界深度が深くても、どんより曇ったときは、晴れた日よりピントがシャープに見えませんね。（コントラスト）

そして、ここが重要なのですが、ピントの合わせる位置によってピントのシャープ感が違って感じます。手前のピントが甘いと、画面の奥がシャープであってもピントがあっている写真に見えませんし、すこし画面奥が甘くても、手前がピシっとピントが来ていると奥のピントの甘さはさほど感じません。

ですから、風景写真のプロやベテランはわざわざ被写界深度の狭い中判カメラを使って撮影するわけです。

大判カメラにいたっては、アオリが効くので被写界深度を調整して深くすることができます。

http://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%81%82%E3%81%8A%E3%82%8A_(%E5%86%99%E7%9C%9F)

これにより、アオリなしの単純な数値上の被写界深度よりも深くピントをあわせることが可能になり、フォーマットサイズの大きさから細密な質感描写や豊かなトーンをも実現できるのです。

もちろん、言うまでもありませんが、ピントや質感・トーンがすべてが揃ったからいい作品というのでもありませんし、作品の内容によっては、この全てが揃わなくてもいい作品はあります。

絞りに関しても回折現象を気にせず、絞り込む写真家もいます。この件に関しては、デジタル処理によってシャープやコントラストを改善できるので問題ないともいえます。

これは作品スタイルによって違ってきます。

よって、あなたにとって最も重要視する点はどこか？ということからカメラを選び、レンズや絞りも決定するようにしましょう。

ピントや質感を重視したいのにコンパクトカメラを使っているのであれば、どんなに頑張って画像処理しても、フルサイズカメラの質感を出すことは不可能です。

　現在、写真の世界はまさに大きな改革が行われているといっても過言ではありません。デジタルが主流になり、従来のような銀塩カメラによる伝統的な表現から、安易で簡単、そして多様な表現が可能なソフトの開発がそれを助長しています。これらの現象を軸に新旧の思いが語られますが、写真の本質は変わらないのというのが、私の持論です。

　元来、写真史は改革の歴史であって、そのたびに論争が起きて来ました。ネガを使わないダゲレオタイプからフォックスタルボットによるネガの開発、モノクロからカラーへの変遷、ネガフィルムからポジフィルムによるダイレクトプリントの普及など、数え上げればきりが無いほど改革されてきました。　

　では、写真の本質とは何か。

　これは、好きなスタイルで表現することにほかならないのです。デジタル主流になった今でも、プラチナプリントやバンダイク法でプリントしている作家もいるし、デジタル撮影したデータからネガを作成して、モノクロ銀塩プリントをしている作家もいます。４×5フィルムや8×10フィルムで撮影して、極細密なプリントにより立体的な質感に仕上げる人もいます。要は、何を表現の主たるものにするかが大切なのです。それぞれが好きなスタイルで撮影することが写真であり、機材の新旧は全く問題ないのです。

　逆に言うと機材の新旧をとりまく論争は、全くナンセンスです。

　写真は自己表現であり、表現とは完成した作品だけでなく、機材のチョイスにはじまり、撮影における時間の流れから仕上げの方法に至るすべてをもって写真であるということです。

　最後にひとこと、

　とても重要なことです。それは、ソフトに依存した作品は作品というには程遠いということです。見た目に同じような仕上がりになったとしても、作品を仕上げるに際しては作者の「思い」が込められていなければ作品とは言い難い。

　作品とは作者の思いが反映されて作品なので、ソフトに依存した形のイメージそのままではサンプル撮影ということになってしまいます。ちょうどフィルターのサンプル写真を見た時のような感じです。

　たとえフィルターをしようていても、仕上げに調整をするとか、他のフィルターを合わせて加えてみるなど、自分なりの味付けがあって作品と言えます。

　作家はひとつの作品を仕上げるために何枚ものプリントを焼いて（出力して）最終的な自分の思いを表現できた時に作品にサインをいれるのです。

　アンセル・アダムスが、エルナンデスの月という作品を最後に仕上げたのが撮影をしてから約20年後であったという事実が、それを物語っています。

写真の永遠のテーマかもしれないことを書いてみます。

それは、写真は撮ったままのものが写真で画像加工したものは写真じゃない。

ということです。

これは、フィルムカメラで作品を撮る人に多いですよね。

ある意味で正しいと思います。

その作品がドキュメンタリーであれば、画像加工したものはナンセンスですよね。確かに問題外です。

しかし、スナップや風景など作者の意図を反映させる形で表現した作品はどうでしょうか？

よく聞く言葉に

自然な色じゃないよね？

デジタルカメラで撮った作品は、よく言われます。

その通り、というほど仕上げがマズイものは別にして、緑が鮮やかすぎるとか空が青すぎるとかいう人がいます。

展示会などで、緑がどうも自然じゃないな。これデジカメ？って聞く人のほとんどが、デジタルは自然じゃないという概念があるからなんですね。

しかしながら、作品展の作品をデジタルカメラかフィルムカメラであるか分かる人は殆どいません。

なぜなら、今のカラープリントは自家処理しない限りにおいて、デジタル出力だからです。確かに、一昔前（と言っても４～5年前）はデジタルカメラの色域は狭く、コントラストや鮮やかさはフィルムと同じですが、階調が豊富とは言いがたかったですね。

しかし、今やデジタルカメラはRAWデータ（RAWデータそのものもだいぶ進化しています）で撮影し、飛躍的にアルゴリズムが改良されたLightroomとPhotoshopの組み合わせによって出力されたプリントの階調の豊富さはフィルムからのプリントに引けを取りません。

ここまで読んで、なんだデジタル礼賛か？と思われた方、

そうではありません。

色に関してはフィルムはフィルムメーカーに依存していますし、デジタルだってある意味メーカーが作った色ということができます。濃度や階調にしてもそうです。モノクロフィルムで撮影して、暗く潰れたり、明るくて白飛びした写真がそのまま何もしないからいい写真だ、というのでしょうか？

リバーサルフィルムは有効露光域は５EVしかありません。ネガカラーは有効露光域は１０EVありますが、プリントに再現する際は５EV程度であるとも言われています。このように狭い調子再現の中で最大限階調を表現するには、プリントテクニックというものが存在することを理解していただきたいのです。

かつて、アンセル・アダムスがモノクロの階調表現においてゾーンシステムを利用して作品制作したように、デジタルはカラー表現に於いてゾーンシステムに匹敵するほどの階調表現が可能になってきているということです。

本来、写真はその内容がどうであるかが評価されるものであって、その作品が

撮ったままで有るか否か？という次元のものではありません。

世界最高価格のついた写真はアンセル・アダムスの「エルナンデスの月」という作品は、正に加工バリバリと言う作品ですね。

そして、皮肉にもこの作品は露出計を使っていないという事実です。

露出計が見つからず、月の明るさが250C/ft2であることを彼が覚えていて、露出公式によって露出を決定し撮影したものであったということです。

これ以上専門的なことは少し厄介という人もいるでしょうから、この辺りにしておきますが、内容の詳細については彼の著書内容をシュミレーションして動画で解説をさせて頂きます。